Ce programme associe la musique baroque italienne du début du XVIIIe siècle à la musique brésilienne populaire des années 1950 à 80, communément appelée Bossa Nova. Le contraste entre les sentiments de joie et de souffrance provoqués par l’amour, sujet de prédilection des compositeurs et poètes de toutes époques, lui sert de fil conducteur.

On passe aisément d’un style à l’autre, mettant en avant la technique de l’acciacatura et l’art du rubato. L’acciacatura, ajout harmonique préconisé dans l’accompagnement de la musique italienne dans les années 1700, donne aux enchaînements d’accords des sonorités semblables à celles que l’on retrouve dans la Bossa Nova. Le rubato, liberté rythmique du chant face à la rigueur de l’accompagnement, est un procédé d’interprétation commun aux deux esthétiques, un trait stylistique qui les rapproche davantage. Enfin, ces musiques ont toutes deux la caractéristique d’être notées de façon succincte; elles ne peuvent être jouées en l’état, elles ont besoin d’instrumentation, d’arrangement, d’ornementation pour pouvoir exister.

Toutes ces ressemblances ont motivé et réuni Les Sales Caractères autour du projet "Baroque à Bossa" et donnent à ce spectacle une couleur très singulière.



​La musique italienne
Les deux cantates baroques choisies pour ce programme, sont issues des fonds de la bibliothèque du Conservatorio di musica S. Pietro a Majella de Naples. Au cœur de la Méditerranée, cette ville jouit d’une exceptionnelle richesse musicale au XVIIIe siècle. En effet, elle voit naître d’illustres musiciens tels que Francesco Mancini (1672-1737) et Nicola Porpora (1686-1768). Ce dernier, dans les années 1715, crée une école de chant où sont formés les plus grands castrats de l’époque, parmi lesquels Farinelli et Caffarelli. A Naples, Francesco Geminiani (1687-1762) occupe la fonction de directeur de l’opéra de 1711 à 1714; Francesco Durante (1684-1755), Giovanni Battista Pergolesi (1710-1736) et Allessandro Scarlatti (1660-1725), entre autres, y séjournent longuement, ce dernier en particulier pendant 27 ans, en tant que maître de chapelle du vice-roi. Tous participent, par leur œuvre ou leur influence sur leurs contemporains, à la constitution d’un riche et vaste patrimoine musical, encore peu exploité aujourd'hui. 



L’air de la cantate italienne du XVIIIe siècle présente généralement un plan en deux mouvements, dont le premier est repris (portant l'indication Da Capo). Cette reprise de la première partie offre au chanteur ou à l’instrumentiste jouant le dessus le loisir d’orner et varier la mélodie, en particulier dans un tempo lent. La première partie est légèrement ornée, la reprise de cette première partie est, elle, abondamment ornée et variée. Dans la même idée, les accords de l'accompagnement se doivent aussi d’être ornés, et cela s’effectue non seulement au moyen d’ornements communs tels que les trilles, les pincés, ou au moyen de ponts mélodiques et de contrechants, mais également avec des notes étrangères ajoutées aux larges accords. Décrites avec précision dans le traité de Francesco Gasparini intitulé "L’Armonico pratico al cimbalo" édité en 1722, ces notes ajoutées nommées acciacatura ou mordente, spécifiques de l’Italie du XVIIIe siècle, sont par exemple l’ajout de la note sensible dans un accord de tonique ou de la note tonique dans un accord de dominante. 

La liberté rythmique du chant, face à la rigueur de l’accompagnement, constitue le second point caractéristique de la musique italienne du XVIIIe siècle. Ce procédé appelé rubato qui signifie "dérobé" en italien,  a pour conséquence de légers décalages entre le chant et la basse. Le castrat italien Pier Francesco Tosi, dans son petit traité "Opinioni de’ cantori antichi e moderni (...)" édité en 1723, tente de décrire cette pratique et déclare au sujet des ornementations, que pour "réjouir l’esprit", elles doivent être exécutées "rubato". 

La cantate "Quanto Dolce è qu'ell ardore" est parfaitement représentative de cette esthétique. La cantate "Marte, Amore, guerra e pace" expose, elle, une forme non pas en trois, mais en six parties, (quatre airs courts avec reprise, et deux récitatifs), ce qui lui confère une grande dynamique. Elle présente aussi la spécificité d’être écrite sur un texte en dialecte napolitain révélant une sonorité vocale très particulière.



​La Bossa Nova
Mené principalement par la jeunesse bourgeoise des quartiers aisés du sud de la ville de Rio de Janeiro, un courant musical novateur naît au Brésil dans les années 1950 : la Bossa Nova. Cette « nouvelle mode » introduit des éléments du Jazz nord-américain dans la musique populaire alors en vogue au Brésil : le Samba (en portugais samba est masculin!). L’alliance des harmonies sophistiquées du Jazz et de la rythmique syncopée du Samba, associée à une volonté manifeste de tout moderniser - des mélodies aux paroles des chansons - génère un mouvement qui ne cesse d’évoluer au long de trois décennies, contribuant de façon décisive à transformer le panorama de la musique populaire brésilienne. Les chansons spécialement arrangées pour ce programme ont pour auteurs Tom Jobim, un des précurseurs du courant Bossa Nova, et deux de ses plus célèbres héritiers : Chico Buarque et Luis Bonfá.

Les arrangements proposés par Ronaldo Lopes pour ces chansons sont à la fois imprégnés de sa culture d’origine et influencés par ses connaissances en écriture musicale ancienne. Parfois certaines tournures mélodiques rappellent subtilement la musique baroque.